Entrevista: Isabel Perez del Pugar Fri, Oct 31. 2008
Un día más nos acercamos a la comunidad artística de meseon para charlar y conocer mas de cerca a la artista plástica Isabel Pérez del Pulgar (blog). Espero que lo disfrutéis!!
Isabel Pérez:
"El arte es la búsqueda de respuestas, la necesidad de permanencia que nace en la esencia del ser humano. Por ello el arte, con independencia de modas, corrientes, intereses del tipo que sean, estará siempre donde esté el hombre".
P: Hola Isabel, para comenzar a conocerte un poco mejor, hablanos de ti, ¿Quién es Isabel Pérez? Cuentanos algo acerca de tu infancia y de tu vida en España.
R: Nací en Granada y en esta ciudad pasé mi infancia y juventud, estudié y me inicié en el arte. Siempre he vivido en España salvo períodos de tiempo, pasados en algunas ciudades europeas como Bruselas, París, Roma, Lisboa........
P: ¿Cuando descubres tu interés en el arte?
R: Mi interés por el arte estaba antes de saber que tenía interés por él. Me recuerdo de pequeña copiando láminas o haciendo apuntes a todo lo se me ponía en medio. Con cajas de colores y cuadernos de dibujo......
P: ¿Qué es arte para ti?
R: El arte es la búsqueda de respuestas, la necesidad de permanencia que nace en la esencia del ser humano. Por ello el arte, con independencia de modas, corrientes, intereses del tipo que sean, estará siempre donde esté el hombre.
P: ¿Podrías compartir parte de tu filosofía por la vida y por el arte?
R: El arte, para mí, es algo inevitable y todo lo que vivo y como lo vivo de alguna manera está ligado a él. Es el análisis permanente de lo que veo. Vivo las imágenes, los colores, los sonidos, el movimiento.......... con un concepto plástico y mucha carga pasional.
P: ¿Crees que tu trabajo ha sido influenciado por la sociedad en la que vivimos? ¿Cuales son las implicaciones sociales de tu arte (si las tiene)?
R: El trabajo plástico es aglutinador de todas las vivencias, tanto internas como externas del hacedor-artista. Cuando una obra de arte traspasa lo personal de quien la ha realizado y habla de algo universal, rompe el espacio-temporal y entra a formar parte de la historía, que es la del hombre. Eso lo podemos observar, como ejemplo, en los retratos mortuorios romanos o las mismas pinturas prehistóricas, no importa el tiempo que hace que se hicieron, hablan de nosotros y emocionan.
El arte es reflejo de su época y es espejo de todos los acontecimientos politico-sociales, científicos y filosóficos del momento en que se realiza y todo ello influye en el artista unido a sus experiencias vitales. Evidentemente, en mi, las influencias estan ahí, pero no sabría valorarlas con mínima objetividad.
P: Hemos visto por medio de tu trabajo en meseon que la mayoría de tus obras son collages, ¿practicas otras técnicas? ¿Por que?
R: Comencé haciendo dibujos a lápiz, fueron creciendo de tamaño hasta trabajar sobre planchas de madera y grafito de grandes dimensiones. He trabajado el óleo y el acrílico, creo que he tocado todas las técnicas.
Toda mi obra se podría dividir en períodos más o menos extensos, en los cuales me he concentrado en una técnica, al margén de los estudios de abocetaje y experimentación. Períodos que han tenido mucho que ver con mi situación vital. La obra presentada en meseon, corresponde a los trabajos que comencé a realizar a partir de los primeros años de este siglo. Tuve una gran temporada, como seis años, que dejé de pintar por una serie de razones. Me dediqué a estudiar y buscar que es lo que quería. Cuando retomé la actividad acogí el collage como un medio rápido de resultados y fácil para investigar. Ello me llevó a desarrollar una serie de técnicas que son las empleadas en estas obras. Y en eso estoy ahora mismo junto al arte digital.
P: De forma general en toda tu obra, ¿tienes algún mensaje específico que transmitir a tu público?
R: No pienso en nadie cuando hago mi obra. Es algo que tengo que hacer, como una fuerza que me obliga a ello. Lo hago por mi, con independencia de que guste o no.
P: Hablanos de una de tus obras en particular, ¿en qué pensabas.. que querías comunicar cuando la estabas creando?
R: Solo puedo acercarme a las inquietudes que tengo o quiero plasmar en mi trabajo. Siempre aparecen figuras y rostros, generalmente frontales que se mueven en un espacio no concreto. No hay límites en las formas, estas se diluyen, se solapan, como en un juego de espejos donde se refleja lo de delante fundido con lo de atras. No existe espacio-tiempo. Hay una especie de suspensión, de espera.......
P: ¿Cual ha sido tu exposición más importante? ¿Te importaría compartir la experiencia?
R: Mi trayectoria curricular es algo anómala. En un principio estuve muy implicada en la vida cultural de mi ciudad, siendo cofundadora de la Asociación de Artistas Plásticos asi como de un colectivo de arte y componente del Equipo Visionaria, en estado latente este último y desaparecidos los otros. Hice numerosas exposiciones colectivas e individuales. Pero llegado un momento y por determinadas razones me alejé de todo aquello y no volví a exponer. Es ahora y por medio de la red cuando estoy sacando mi trabajo.
P: ¿Tienes alguna figura relevante (profesores, familiares, artistas, etc..) que haya influido en tu obra?
R: Creo que han sido los libros. Mi formación académica ha sido el inicio para comenzar a conocer el arte en profundidad. Anteriormente, según períodos, ha habido un artista con más influencia que otros, sobre todo en los tiempos de iniciación. Podría nombrar a Chagall, a Bacon, Pollock.....
P: Nos podías hablar del procedimiento que empleas en tus obras. Preparación, desarrollo y acabado
R: En los trabajos actuales, los cuales se podrían encuadrar dentro de la técnica del collage, aunque con mayor complejidad, utilizo como soporte el papel o cartón. El cual voy uniendo hasta formar superficies de metro, metro y medio de largo y de 40 o 50 cm de ancho. De las revistas comerciale extraigo las imágenes que me interesan, las cuales altero y manipulo con disolventes químicos. Posteriormente mediante una técnica de transferencia, nacida de la investigación, extraigo el color de esa mismas publicaciones en capas muy finas asi como restos de figuras o trozos arrancados de papel y son colocados en el soporte. La obra final puede llegar a medir los 6m por adición de elemntos y su apariencia puede confundirse con la fotografia.
P: Tienes alguna costumbre a la hora de trabajar que realices habitualmente. Por ejemplo: pintas con música, alguna prenda especial, etc...
R: Ropa vieja y cómoda, y siempre música, desde el jazz, el rock, clásica........depende del estado anímico
P: ¿Qué sientes cuando has terminado una obra?
R: Cuando ha salido lo que quería, sastisfacción y cuando no, lo destruyo.
P: ¿Tienes algún reto o meta que te gustaría alcanzar tanto a nivel artístico como a nivel personal?
R: No parar de aprender, siempre hay algo para ello, luego en cuanto al trabajo la búsqueda continua. Y en lo personal, mentiría si dijera que no quiero reconocimiento.
P: Unas preguntas rápidas:
Un artista: Rubens por la voluptuosidad.
Una ciudad: Berlin por lo nuevo.
Un sueño: vivir para crear-crear para vivir.
P: De todo tu trabajo, ¿cuál es tu obra favorita o a la que más cariño tienes?
R: Algunas me gustan más que otras, las últimas estan más cercanas a mi.... pero de buscar alguna aislada y concreta, un pequeño retratro de alguien especial.
P: ¿Nos podrías dar un adelanto sobre lo que estas trabajando actualmente?
R: Ahora estoy viendo las posibilidades de los medios digitales y el video.
P: ¿Tienes alguna anécdota que quisieras compartir con todos nosotros?
R: Pués más que una anécdota es la de llegar a sentirme como un vendedor de mi mismo cuando exponía.
P: Para terminar, ¿Porqué creas arte?
R: No lo sé, es inevitable.
Muchas gracias Isabel por tu tiempo. Ha sido un placer conocer más acerca de ti y tu obra.
La pintura "Arlequín" de Picasso fuera de venta Wed, Oct 29. 2008
La pintura cubista "Arlequín" de Picasso que iba a ser vendida en Sotheby's en la subasta Impressionist and Modern art la próxima semana en Nueva York se ha retirado de la venta.
Para esta obra, se había previsto obtener más de $30m (£ 19.1m). En estos días una gran cantidad de obras de alto perfil no han logrado buenos resultados en las subastas celebradas recientemente, provocando temores a los compradores por la actual crisis financiera que también está afectando a los precios del arte. Sotheby's dijo que el propietario decidió retirar la pintura de la venta por "motivos personales".
Arlequin, que no había sido visto por el público durante más de 45 años, representa a un arlequín en actitud de descanso que apoya su mentón sobre una mano. El mes pasado, Emmanuel Di-Donna, de Sotheby's, dijo que era uno de los "mayores" cuadros cubistas que se ofrecen en el mercado abierto actualmente. Pertenecía al pintor surrealista Enrico Donati, quien murió a principios del año a los 99 años de edad. El cual compró la obra en París en la década de 1940 por $12.000.
Ventas de otoño
Arlequin iba a ser el punto culminante de la venta Sotheby's que se celebrará el lunes proximo. Melanie Gerlis, editora de la sección mercado del arte del El Diario de Arte, dijo que el mercado del arte en Nueva York está más dañado que en otras ciudades. Sin embargo, añadió que muchas de las subastas de otoño en Londres, Sydney y Hong Kong, no han cumplido con las expectativas esperadas.
"No es terriblemente sorprendente ya que hay menos dinero a nuestro alrededor, siendo también una confianza basada en el mercado", dijo. "El mercado del arte no es por tanto como el de otros ambitos, aunque no ha sido un mes saludable, con piezas que no han obtenido lo esperado".
La casa rival de subastas Christie's en su subasta post-war and contemporary art recaudo £32M , incluida la prima del comprador, en Londres el 19 de octubre. De los 47 lotes ofrecidos, se vendieron 26. Según las espectativas esperaban recaudar entre £58m-76M, sin incluir la prima. Esto vino dos días después de que Sotheby's recaudase £22m, por debajo de sus estimaciones de pre-venta que rondaban entre £31m-43m. La pieza clave, la obra de Andy Warhol paintings of human skulls, se vendio por £4.3m, por debajo de su estimación inicial de £7M. A pesar de los resultados, ambas casas de subastas dijeron que estaban satisfechas con los resultados.
La Sra Gerlis añadió que el mercado del arte podría beneficiarse de un llamado "efecto Obama", como en EE.UU. si los votantes deciden acudir a las urnas para las elecciones presidenciales del 4 de noviembre. "Hay un montón de sentimentalismo participando en el mercado del arte", dijo.
Visto en BBC News
Entrevista: María Burgaz Fri, Oct 17. 2008
Un día más nos acercamos a la comunidad artística de meseon para charlar y conocer mas de cerca a la artista plástica María Burgaz. Espero que disfrutéis!!
María Burgaz: "Los motivos son diversos y siempre se basan en el día a día, con una pincelada de la ironía y el humor que debería reinar en la vida cotidiana. Son cuadros positivos que invitan al espectador a un diálogo, a una búsqueda de huellas y símbolos que unidos en cada obra conforman una historia personal para cada uno."
P: Hola Maria, para comenzar cuentanos algo sobre ti, hablanos de tu infancia, de tu vida, de cuando descubriste que querías ser artista.
R: Desde pequeña todos me recuerdan con mis cajas de pinturas y mis cuadernos haciendo dibujos. Los Reyes siempre me sorprendían con una gran caja de Caran D´ache, y pronto llegó mi primer caballete y caja de óleos. Entonces me apuntaron a clases de pintura en la Escuela de Artes Decorativas, y aunque no lo hacía pensando que sería mi profesión cuando llegó el momento no dudé en estudiar Bellas Artes.
P: ¿Has trabajado o indagado en otras técnicas además de la pintura?
R: Además de la pintura siempre me ha gustado indagar y probar otras técnicas; he hecho y hago grabado, escultura, diseño y restauración de muebles, aunque siempre menos de lo que me gustaría ya que el tiempo no da para más.
P: Tu obra goza de gran colorido y fuerza ¿qué es lo que quieres enseñar con tu trabajo? Tienes algún mensaje o concepto a transmitir a tu público?
R: Mi obra desde el principio se caracteriza por su colorido y su fuerza, que acompañan y complementan la historia o el momento que representa cada cuadro. Los motivos son diversos y siempre se basan en el día a día, con una pincelada de la ironía y el humor que debería reinar en la vida cotidiana. Son cuadros positivos que invitan al espectador a un diálogo, a una búsqueda de huellas y símbolos que unidos en cada obra conforman una historia personal para cada uno.
P: En algunas de tus pinturas podemos ver personajes muy conocidos como la pantera rosa, blancanieves, piolín, ¿por que los usas? ¿Qué representan?
R: A veces incluyo personajes de las viñetas o los dibujos animados porque son tan conocidos que hablan por sí mismos sólo con su presencia, y al sacarlos de su entorno habitual crean un misterio y una paradoja en el cuadro que contribuye muchas veces al fin de la obra.
P: Actualmente disponemos de una gran cantidad de información a nuestro alrededor, las cuales nos van influenciando día a día, ¿nos podrías hablar de las tuyas?
R: Estos personajes son una de las muchísimas influencias que este sobrecargado mundo de imágenes me ofrece. La publicidad, el cine, la moda, además del estudio de otros muchos artistas más o menos consagrados son la pantagruélica influencia de la que me alimento.
P: ¿Estas influencias se solapan con tus artistas favoritos? ¿Nos podrías hablar de ellos y decir en que forma te han influido pictóricamente?
R: La lista de mis artistas favoritos sería demasiado larga, pero por citar algunos nombraré a Velázquez, Goya, Picasso, Matisse, Barceló, Oursler, Basquiat, Lacalle, Babiloni... Todos ellos y muchos más ejercen su influencia aunque sólo sea porque después de ver una exposición de un gran artista me dan ganas de ir al estudio, de trabajar y de hacer cosas buenas. Luego la obra de algunos puede quedar más o menos reflejada en la mía, pero todos me enseñan y ayudan a crear mi propio camino.
P: Cambiando un poco de tema, sabemos que eres licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, ¿como crees que ha influido tus estudios en tu forma de entender y comprender el arte? ¿Has tenido algún profesor que te haya influido en esto así como en la consecución de tu estilo?
R: Mis estudios en la Facultad de Bellas Artes me enseñaron conceptos técnicos, abrieron mi abanico de posibilidades y de conocimiento y de ahí yo misma navegué y descubrí lo que más me interesaba.
P: Hablando de la técnica: Nos podrías hablar del procedimiento que empleas en tus obras. Preparación, desarrollo y acabado.
R: Mi forma de trabajar no tiene un método, a veces me enfrento directamente a un gran lienzo en blanco, otras parto de algún dibujo, pero suele pasar que el cuadro evoluciona sorprendiéndome y que se va alimentando y creciendo de forma diferente en cada caso y además, normalmente trabajo en varias obras a la vez, que suelen “contaminarse” entre ellas.
P: ¿Qué sientes cuando has terminado una obra?
R: Cuando acabo una obra la sensación es de satisfacción, porque si no lo es no está acabada, y entonces la “aparco” o la “tacho”.
P: Algunos artistas dicen que una obra nunca se acaba totalmente sino que simplemente decides darla por terminada, ¿qué piensas a ese respecto?
R: Lo que puede suceder es que una obra terminada en un momento puede no parecérmelo en otro. De hecho alguna obra de hace años la veo y puedo pensar que cambiaría o haría algunas cosas, pero si en su momento quedó así eso es lo que vale, porque es producto de aquel momento.
P: ¿Tienes obras inacabadas?
R: Las obras inacabadas son las que como decía aparco, y al cabo de un tiempo puedo retomarlas y terminarlas o continúan aparcadas porque no llegan a buen fin, y entonces no saldrán del estudio porque siguen siendo obras inacabadas.
P: Supongo que el arte es toda tu vida, ¿qué pasaría si no pudieras continuar pintando? ¿Qué otra profesión elegirías?
R: La pintura me da muchas satisfacciones y es lo que he elegido como medio de expresión, pero si no pudiera seguir pintando por cualquier causa hay muchos otros palos que tocar y que me atraen muchísimo; dentro de las artes plásticas la escultura, el diseño y también podría sumergirme en el mundo del cine, la moda, o el periodismo... creo que son muchas las formas en que se pueden expresar las inquietudes y si una falla siempre se encuentra otra.
P: ¿Has tenido malos momentos artísticos en los que hubieras decidido dejar la pintura de lado?
R: De todas formas nunca he pensado en dejar la pintura, siempre digo que ahora no tengo marcha atrás y que tengo que continuar porque todavía estoy descubriendo muchas cosas y mientras siga habiendo sorpresas es que hay camino por recorrer.
P: ¿Tienes algún reto o meta que te gustaría alcanzar?
R: Mi meta es poder seguir trabajando, que mi obra sea apreciada y adquirida !!
P: Unas cuestiones rápidas:
Un artista: difícil decir sólo uno... Picasso
Una ciudad: Roma
Un sueño: exponer en el MOMA
P: De todo tu trabajo, ¿cuál es tu obra favorita o a la que más cariño tienes?
R: Imposible decir una
P: ¿Nos podrías dar un adelanto sobre lo que estas trabajando?
R: Ahora estoy trabajando en una exposición individual que tengo en la Galería Paz Tejón en Valencia, y en obra de pequeño formato para una galería en París.
P: Para terminar, ¿Tienes alguna anécdota que quisieras compartir con todos nosotros?
R: Como anécdotas, me divierten las casualidades de gente que se encuentra cuadros míos en casas de gente que yo no conozco, y cuadros que se venden a gente que no llego a conocer y que al cabo del tiempo por casualidades sé de su existencia.
Muchas gracias María por tu tiempo. Ha sido un placer saber más acerca de ti y de tu obra.
BIACS3 Tue, Oct 7. 2008
En la era de las tecnologías de la información y de la comunicación (TIC), la percepción del mundo se encuentra cada vez más dominada por los media y su influencia en el arte va también en aumento. La Bienal demostrará cómo el arte contemporáneo ha evolucionado a nivel mundial bajo la influencia de los media, la tecnología y la ciencia. Las TIC deben su desarrollo a los avances de la ciencia, desde la física de los semiconductores a la nano-tecnología. En este sentido, el punto de origen común de los media y del media-art es la ciencia y la tecnología. Entonces, ¿cómo son definidas de un modo nuevo las ecuaciones entre tecnología y arte, ciencia y naturaleza? Anteriormente, esta cuestión era minimizada mediante el uso de la conjunción “y”, por ejemplo, arte y media, arte y tecnología o arte y ciencia. Se admite una respuesta más radical cuando esta conjunción es reemplazada por otra, “como”, por ejemplo, cultura como tecnología, ciencia como arte… Si este método se aplica, surgen entonces como resultado nuevas derivaciones, que son las que esta Bienal mostrará en forma de obras de arte ejemplares.
La Biacs3 está estructurada en relación a cuatro secciones:
La primera ofrecerá una visión retrospectiva de las grandes obras maestras del media-art, desde Nam June Paik a Bill Viola. Pero también incluirá posturas artísticas menos conocidas que merecen ser trasladadas de la periferia al centro.
La segunda sección mostrará las últimas tendencias en media-art, interactividad y participación del público, net-art(Internet) y multiplayer media, el espectador como usuario. La utilización del estado arte y tecnología en la Biacs3 abrirá la puerta a un mundo desconocido en el que ciencia, tecnología, arte y media se encuentran a nuestra disposición, un mundo en el que el hombre constituye el centro y que puede ser influenciado en el modo que desee.
En la tercera sección, se abordarán las transformaciones de la arquitectura desde el uso de ordenadores y de nuevos programas informáticos (software) que generan nuevas formas de convivencia. Está emergiendo un nuevo tipo de arquitectura biomórfica que va más allá del hundimiento deconstructivista del White Cube (Cubo Blanco) y de la Black Box (Caja Negra), como modelos arquitectónicos básicos. En la nueva arquitectura, la frontera entre el sistema (edificación) y el entorno (naturaleza) es variable. No podemos destruir la frontera como concepto porque precisamos de ella; sin embargo, la podemos variar. Para transformar la relación entre hombre y entorno, la arquitectura inventa nuevas interfaces tecnológicas. Estas interfaces estipulan un intercambio variable de señales entre el entorno y el sistema. De la arquitectura en el futuro se puede esperar mucho en tanto que consciente y deliberadamente conecta sistemas internos, como una casa, con el entorno exterior, la ciudad. La arquitectura inventará nuevos interfaces.
La cuarta sección es la ciudad de Sevilla en sí misma. La exposición no sólo tendrá lugar en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), sino también en otros espacios públicos de la ciudad, cómo en la ciudad de Granada, en el Palacio de Carlos V,(la Alhambra). El propósito de estas anexiones es profundizar en la arqueología y el origen de la ciencia y la tecnología en Andalucía y demostrar que Andalucía posee una larga historia en materia científica, tecnológica y artística.
El principal objetivo de la Bienal es la participación del público. Habrá una democratización del arte. El público es el protagonista, no los artistas.
La contemplación nos hace felices, pero la experimentación con el arte puede llegar a ser eufórica. El encuentro con el arte en la Bienal de Sevilla, hará que el público participe de este entusiasmo.
Fotografía: Giselle Beiguelman y José Carlos Silvestre (Brasil) Philosophy of the Silver Box, 2008.
Instalación interactiva. Web.
Visto BIACS3
